1. 流行音乐旋律编写
编曲是编写曲谱的过程，旋律则是曲谱的韵律显示。
2. 流行音乐创编
、找主题、音乐
这个舞蹈你想要表现什么，想要展现什么，就是这个舞蹈的主题。首先，我们需要确定主题，然后我们需要寻找合适的音乐进行舞蹈编排。
有时，这两个步骤又是相反的。可能我们听到某首乐曲，有了创作舞蹈的冲动，然后根据这个音乐表现的主题进行舞蹈编排。
不管是哪种步骤，一定要注意主题的确定。一个没有主题的舞蹈，就像一篇没有中心思想的文章，是没有灵魂的。
2、找主题动作
找到合适的主题，合适的音乐之后，常常会陷入无动作填充舞蹈的困境。这个时候，我们需要确定一个或几个主题动作。这个主题动作可以是从舞蹈确定的主题上来，也可以是来自对音乐的感受。
切忌没有主题动作的想到一个动作又一个动作的串连起来。不仅创作出来的舞蹈会空泛，而且舞蹈也缺乏连贯性和可看性。
3、由主题动作延伸出小节动作
找到主题动作之后，根据主题动作的运动规律我们可以继续创编出几个小节动作来。通常，几个小节动作加上队形的变换，一个简单的舞蹈已经基本成型了。
4、串连小节动作
串连小节的动作可以是队形的变换，可以是主题动作的再创造，也可以是符合这个舞蹈特征的技巧动作。
5、加上必要的技巧动作
这里要强调的是，不是每个舞蹈都需要技巧展示的。不合理的技巧展示不仅不会增加舞蹈的质量，反而会降低舞蹈的观赏性，也会损害舞蹈的连贯性。
6、在排练中修改
接下来，就需要再排练的过程中不断的修改了。因为有时候想象中的动作通过幼儿的排练会有一些问题。比如幼儿不能胜任这个动作或这组动作;又比如想象中的顺畅连接在实际中不能实现等等。
7、请老师完善和修改
好的舞蹈其实都是在不断修改中逐步完善的。除了编排老师自身进行完善和修改，此时也可以邀请其他老师舞蹈老师来观看并提出意见.。
3. 歌曲旋律编写
我正好也在思考这个问题，写出来也为自己整理思路。
前奏
前奏的作用其实就是两个，一是给演唱者确定调性，二是对歌曲中的主题进行初步呈现。
和弦：从确定调性上来说，其实走出属主走向已经能确定，所以和弦上走出正格终止属主进行很关键。少数应该也可以走变格终止，但我估计不多见。而且个人感觉变格终止对明确调性方面不如正格来得有效。所以还是看具体的曲子，如果曲子本身的终止就是走的变格，前奏也可以这样来搞。比较方便的就是直接取曲子中有代表意义的和声走向，比如副歌部分的和弦走向。
旋律：由于前奏还担负着对歌曲主题初步呈现的任务，所以旋律上最好能从歌曲本身取材。无非就是以下几种方案
1. 直接用原曲旋律。这种挺多，个人觉得如果歌曲本身比较短小会给人单调的感觉。
2. 使用原曲的副旋律。如果觉得原曲的副旋律已经编写得比较精彩，旋律性比较强，可以一用。如果是自己编曲，适合先做好歌曲本体部分再做前奏的情况。
3. 对原曲旋律进行一定程度的变奏。个人觉得这种方案比较好。既能对主题有一定程度的呈现，又不会显单调。有一种“犹抱琵琶半遮面”的感觉。比如邓丽君《我在只乎你》的前奏。
4. 使用原曲的和弦走向，完全自己即兴写一段。完全脱离开原曲的旋律，可能会产生与原曲风格走偏的问题，所以调性调式一定要与原曲相同。此外，个人认为总要有一些元素是取材于原曲的，比如使用原曲的节奏风格。
5. 不使用原曲的和弦走向，而使用本调性调式经典和弦走向完全即兴。这种方案应该是离原曲最远的，对编写者能力要求最高。不过个人感觉容易给听众造成前奏与歌曲脱节的感觉，适用于个人能力极强需要炫技的场合。
长度：一般人对一个调性的适应大概需要10几秒钟的时间，所以慢速歌曲四小节左右的前奏就差不多了，快速歌曲可以8小节。时间太长会让人觉得啰嗦，毕竟前奏只是开胃小菜，总不能还没开餐先吃个全饱；时间太短则调性不稳固，恐怕演唱者容易找不着调。
如果仅指旋律，间奏与前奏比较类同，大部分应该是互通的。
在编曲上，一般歌曲唱完一段，然后第二段一般情绪上要比第一段高，所以段间的间奏担负着把这个区别体现出来的任务。比如间奏可能会进比较多的乐器。
以上不成熟想法，欢迎大家讨论。非专业出身野路子，请轻喷，互相学习，谢谢！
4. 流行音乐旋律编写教程
其实MIDI 编曲就是电脑上的一些编曲宿主来完成的，不管是学习音乐的那个专业，其实首先做的就是先把乐理学好，也就是音乐的理论，一些音高、节奏、和弦、调式调性的掌握，其次要做的是给歌曲配和声，也就是除了旋律声部还要给旋律添加上其他声部是的旋律更加饱满、好听；
而后我们就需要在电脑上的宿主软件中利用流行音乐中常用的乐器开始根据旋律编写前奏、主歌段、副歌段、间奏、主歌2、副歌2、尾奏部分了，总的来说应该做到每段都不一样但又是一个较完成的整体。其实作曲编曲的学习靠文字是学不会的，建议楼主如果想学编曲，建议楼主学习编曲找一个老师带或者找一家专门做编曲教育的靠谱机构，这样可以更加专业系统的学习，也避免楼主走很多弯路，希望可以帮到楼主。
5. 流行歌曲写作旋律
都是他们自己写的，比如《我们的爱》这首歌，原本是键盘手陈建宁与吉他手阿沁各自写出了两段不同的旋律，但是两人都怎么也发展不出完整的歌曲，后来经由主唱詹雯婷的随意吟唱竟巧妙地将两首歌合而为一，就这样完成了该歌曲的创作，同时也显示了飞儿乐团三人间的配合默契。
6. 流行音乐编曲
编曲首要是看天赋灵感，没有灵感那什么都没有。灵感是编曲人的动力，毕竟有了灵感才会往下写，不是吗？其次乐理很重要，当然如果你一点不懂乐理也不是编不出好曲子，这好比一个没有文化的人说论文，可能他说的确实有道理，但绝对不如专门学过的人写的那么严谨、有力。编曲也一样，乐理其实是一门很复杂的学问，其中的规矩比你想象中的多的多，你大可以不按那些规矩来，但这样的后果就是写出的曲子容易缺乏内涵，我的意思是，可能听一下确实很好听，但是缺乏内涵，听几次就不想听了，或者虽然一直觉得很好听，但除了好听之外什么也没有了。当然除了个别人之外，或许有人真的没学过乐理，也能写出好曲子，这样他可能要付出的更多，才能有如此收获吧。而且，懂乐理就能写出和声。和声现在对于一首好听的曲子是非常非常重要的，是锦上添花的效果。好的和声可以让不怎么好听的旋律瞬间变成非常好听的曲子，而好听的旋律配上完美的和声可谓天籁之音。而要做作好和声，那么就极其需要依靠乐理的支持。现在乐坛中好多歌曲都是需要和声的，在唱和声的部分时，一唱出来，给人听着就是好听，就是那么的美妙动听。所以和声很重要，乐理就更重要了。
所以说灵感第一，乐理也非常重要。而会很多乐器则是有了锦上添花的作用。如果编曲，那么最好至少会一门乐器，像吉他，钢琴，电子琴。一般是键盘类，比如钢琴和电子琴。因为键盘乐器显示非常直观，而且易于表现和声。有人说钢琴不是一个乐器，而是一百种乐器，意思是钢琴可以模仿出各种乐器的音效和声部，前者说音效有点夸张，但说他能同时N个声部是一点都没错。
其次就是吉他，吉他相对钢琴最大的优点是便携，也就是说你可以随时随地的弹上一曲，但由于构造限制，吉他不能像键盘那样弹奏非常复杂的多声部，但吉他仍是一个相对擅长和声的乐器。另外钢琴和吉他比起来，音色略显呆板。
其次是小提琴，能演奏出简单的和声，但他的本质是旋律乐器，福尔摩斯等家喻户晓的人物喜欢即兴小提琴来上一曲，这也表现了小提琴的即兴能力。不过这个比较难学。
其次口琴，这个极其小巧，非常便宜，很好学，可以演奏出比小提琴更简单一些的和声，旋律乐器。如果不是专业的话，个人推荐布鲁斯口琴，很小巧，学会了压音，可以吹出任何半音。如果偏向于专业，也可以买半音阶口琴，体积稍大，也贵些，但能吹出纯正的半音，堪称口琴中的钢琴。不过口琴的最大优点就是体积极小。
以上4种是对编曲有所帮助的乐器，你会的乐器越多无疑可以让你对各个乐器的特色有深刻的把握，对编曲的影响可谓百利无一害，世界知名的作曲大师一般都是会几种乐器，或者熟悉几种乐器的。 所以说，懂乐理只会让你做出了的曲子更加好听和高质量，还不用那么得辛苦。当然如果不懂乐理只能比别人付出的更多更多，要比别人艰难很多。